宋人小品，求书宋人小品

本文目录一览

1，求书宋人小品
2，工笔花鸟宋人小品腊嘴桐子图的设色问题
3，有没有什么好的宋代工笔花鸟小品的书籍介绍一下
4，工笔画笔直的竖线怎么画
5，谁临摹宋人小品最好
6，很喜欢宋代风格的花鸟画有人指点一下如何画仿宋画吗
7，怎么画工笔画

1，求书宋人小品

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求书宋人小品

2，工笔花鸟宋人小品腊嘴桐子图的设色问题

你图都没有啊。。。先染深颜色，再染浅颜色，颜色不要调的太深，多染几遍，既要有分染又要有罩染。还有如果你想一次性把底色做足，做透的画，是不太可能的。最后的成品的底色跟主题颜色是不协调的。应该把主题染完一到两遍就用相应的底色全部罩染一下，但是这个颜色一定要淡....不要改变画面的色相和明度，只是起个统一的作用。如果有漏矾的话，要刷胶矾水。干后继续画。就这样

搜一下：工笔花鸟宋人小品《腊嘴桐子图》的设色问题

工笔花鸟宋人小品腊嘴桐子图的设色问题

3，有没有什么好的宋代工笔花鸟小品的书籍介绍一下

《宋人小品》　　宋代是中国工笔花鸟画发展具有里程碑意义的重要时期,以册页、扇面等为形式的小品画在这一时期大量涌现。小品工笔花鸟以盈尺的画幅传达中国传统的艺术精神,它间接反映了宋代的社会状态,这种状态凝定为宋代的审美标准—— 平和简淡。说起工笔花鸟小品画的精美,属宋代的工笔花鸟小品画最为出彩。它没有严肃深刻的主题,也没有复杂的技法,画面各种关系的协调、精微变化为追求,为工笔花鸟画的发展奠定坚实的基础。

宋人工笔小品

有没有什么好的宋代工笔花鸟小品的书籍介绍一下

4，工笔画笔直的竖线怎么画

1，竖线相对于横线在用笔习惯上稍微难了点，还是要加强练习。从哪个方向下笔就要看你的习惯和画面的具体的要求和画板的大小。2，短线可以用笔直接画，长线可以适当使用工具。3，去罗寒蕾的新浪博客看看(你要读图、读文字…)，应该会有所启示的。

不是高人,给点建议, 1毛笔务必极细,普通钩线笔很难丝毛. 2虚入虚出,速度梢快,如燕子掠过水面. 3可检宋人小品清晰者反复照样临习. 4观察鸟类羽毛,高清晰图也可,论坛有. 5墨不可过湿.可稍干!

5，谁临摹宋人小品最好

http://blog.sina.com.cn/s/blog_687154690100o08a.html工笔画论坛看到的女孩，以为是真迹，杨樱

6，很喜欢宋代风格的花鸟画有人指点一下如何画仿宋画吗

宣纸分为两种：一种是生宣，一种是熟宣。只要懂得上色时间的步骤就行，调色要靠自己的感觉的。

宋人小品确实精致，很多人都有临摹的经历，首先要选对对路的工具：毛笔最好是白云等有一定吸水性的，宋人小品大多数是画在绢上的，绢分为黄绢和白绢，就看你临摹的范本底色是哪一种了。宋人小品受宋徽宗赵佶的影响特别大，在宋代发挥到极高的境界，技法炉火纯青，临摹宋人小品就要相当细心，工笔讲究“三矾九染”临摹期间还要调和具有一定比例的胶矾水，在需要的时候刷上几遍，既能固定颜色，也可以防止你的画绢漏矾，用色要细致，多上几遍颜色，千万不可以怕麻烦的。

7，怎么画工笔画

1.选纸　　工笔画用熟宣纸或是熟绢，是生宣纸或生绢经过一定比例的胶矾水刷制而成。其性能是不渗水。熟宣纸目前有不少品种，如清水书画宣、冰雪宣、书画笺、蝉翼笺、云母笺等。以上熟宣纸中有薄有厚，胶矾水有浓有淡。一般来说薄者适合画淡彩，厚者适合画重彩。以蝉翼笺最薄，冰雪宣最厚，另有洒金笺以及各种染色纸都可以用来画工笔。绢为纯丝织制品，分圆丝、扁丝两种。圆丝绢又称“原丝绢”，在古代绘画中常用。现在常用的是扁丝绢，是在绢织成之后加以捶砸，使绢丝呈扁形，以减少绢丝之间的空隙，使绢刷上胶矾水之后不易漏矾。这种绢有白色和仿旧色等几种。　　2.选笔　　（1）笔　　工笔画多用中锋勾勒细而匀的线条。一般选用狼毫类细而尖的笔。常用的笔有衣纹笔、叶筋笔、大红毛、小红毛、蟹爪、狼圭、紫圭等等。　　（2）染色笔　　常用的染色笔有：大白云、中白云、小白云和其他软毫毛笔。纯羊毫笔过于软，一般不太好用，白云笔较好，因为它外层是羊毫，中间部分是硬而挺的毛，因此既能含水分又有弹性。　　（3）板刷类　　工笔画经常需要涂底色，或做大面积的平涂和渲染，因此需备有各种宽度的羊毛板刷或排笔。　　3.用笔法　　工笔画在勾线时行笔不要太快，要有节奏。勾画短线时执笔以腕肘着桌面，以手指活动为主；勾稍长一些的线应悬腕而肘着桌面，以腕部活动为主，手指执笔要实，使腕部活动灵活；勾更长一些的线应腕部着桌面而肘部悬起，线随腕动（不要随着手指动）。无论勾哪一种线，在行笔的过程中，都要摒住呼吸，不要太快，一气呵成。总之无论哪一种执笔方法，都应保持线条的圆浑与流畅。　　工笔白描不只是讲究工细，更重要的是追求线条的力感和美感，所谓“工细兼力”，反对纤细柔弱的线条。　　勾线之初，先练习使用中锋，避免侧锋。中锋用笔饱满而有弹性，线条圆润浑厚，结实而有力感；开始练习勾线时，很容易出现侧锋，特别是在线条转折的地方，因为毛笔是圆锥形，转弯时必须提笔，并轻转笔管扭转方向，使笔锋平行圆转过来，才能保持中锋。线条产生力感的关键在于笔锋与纸面的摩擦，有的人勾线为了细，不敢用力，勾出的线浮滑在纸面上，不符合要求。勾线时要把笔按下去，使笔锋对纸面有一个压力，同时又要擎住毛笔，向上有一个提力，两力平衡再用一个拖的力量行笔。只压不提就是“抹”，容易出现侧锋败笔；只提不压就是“飘”，线条滑而无力，用线切忌“撩”、“挑”、“滑”。所以说，每勾一条线都应该有起笔、行笔、收笔三个动作。　　（1）起笔藏锋：如起笔欲向右行，先向左藏锋顿笔，然后再向右行，这叫欲右先左，反之，则欲左先右。上下行笔也是这样，欲下先上，欲上先下，这样笔与纸就有了摩擦。　　（2）行笔：行笔要稳，速度要慢，对纸面压力要均匀。行笔中有各种变化，中途转向稍停为“顿”，向后折回为“挫”，顿挫时要调整笔锋方向，不使出现侧锋。中锋圆转用笔为“转”，侧锋方拐为“折”。　　（3）收笔回锋：每逢收笔都要向来的方向收回，所谓“天往不回”，“不垂不缩”，使线的结尾含蓄有力。　　还要注意练习用线的各种笔墨变化，如中锋与侧锋，顺锋与逆锋，以及顿挫、转折、粗细、连断、方圆、疾徐、光毛、虚实等用笔的变化，再加上浓淡、干湿等墨色的变化，以达到白描在形式美感方面的要求。　　中锋、侧锋用笔　　中锋用笔要执笔端正，笔锋在墨线的中间，用笔的力量要均匀，笔锋垂直于纸面，其效果圆浑稳重。侧锋用笔执笔偏侧，笔锋在墨线的边缘，笔锋与纸面形成一定的角度，用力不均匀，时快、时慢、时轻、时重，其效果毛、涩变化丰富。　　4.染色　　1、分染：工笔画绘制中最重要的染色技巧。一支笔蘸色，另一支笔蘸水，将色彩拖染开去，形成色彩由浓到淡的渐变效果。　　2、统染：在绘制工笔的过程中，根据画面明暗处理的需要，往往需要几片叶子、几片花瓣统一渲染，强调整体的明暗与色彩关系，称为统染。　　3、罩染：在已经着色的画面上重新罩上一层色彩并局部渲染。　　4、提染：染色接近完工时用某种色小面积、局部提亮或者加深画面称为提染。　　5、烘染：在所描绘的物体周围淡淡的渲染底色用来衬托或掩映物体。　　6、点染：用接近写意的笔法，一笔蘸上深浅不同的色彩在画面上连点带染，取灵动之意。处理背景或小型花卉的时候时常用到此法。　　7、斡染：将一块色彩向四周染开。画仕女脸颊的红晕时即是采用此法，工笔牡丹的绘制中也会用到。　　8、醒染：在罩色过后色彩略显发闷的画面上用淡淡的深色重新分染，以引出底色部分，重新使画面醒目。　　9、接染：方法是分碟调出二至三种图案色，各色厚薄相同，多为同类色或类似色，分几枝笔将各色铺于纸上，迅速以偏干的清水笔将各色接起刷匀。或将两个在一个范围的颜色用清水衔接起来，产生自然过渡的效果。先竖后横，迅速准确，使之不露笔痕，色晕匀和。工艺绘画图案亦用此法。　　5.技法　　皴擦：绘画里常遇到土、石、树桩等物类，用笔中常以皴增强质地和厚重感，亦是线的补充，较讲究用笔。一般要求自然而顺势，不故作姿态。擦，更加隐笔。一般只是丰富皴的技法，有时亦起修改皴的败笔的作用。　　染法：有许多种，一般有平涂、分染、罩染等，平涂多在做色底及画面局部平涂颜色时用，不宜见笔痕。分染是分出物体结构的染法，有高染与低染两种。染在物中间凸起部位并造成一点立体意味的是高染。罩染是在已分染过色墨的部分罩上某种颜色，这样能产生厚重而沉着的色彩变化。烘托一般是在物之外洪染出一部分色墨，以便加强主物的塑造，实际上有染扩大的意味。月、云、雪边多用。　　点：在绘画中点的用途极广，视所打处可为花草野卉、可为苔点、也可不计何物仅为画面的装饰用。点是小点，是扩大了的点,嘶法在画作中常用。用点时一般求用笔的一致统一。　　撞水撞粉：些画法灵活多变，有色粉相撞法，亦有色粉水撞法，也有互用者。一般是以含水量大的笔画出对象的形、结构，再以色、墨、粉相撞生趣，因水化不溶而发生变化，活泼生动。　　褪色法：以层层积色方式，一层层上色时退出一部分，设色越多层次越多，画花鸟及草类杂物中常用。　　分染：除单独使用，还常用于为罩染打底色，为平涂开醒。方法是用两支笔，一支蘸色，一支蘸清水，先用色笔从最深部位开始染起，接着用水笔轻刷使颜色逐步向外晕开，使其越越淡，不留痕迹。　　罩染：罩染时，不能急于求成，要薄薄地罩，一遍不足，可以再罩，笔上含色要饱，用笔直要轻，不可来回涂抹，以免把底色搅起。　　统染：笔上含色要饱，用笔要轻，防止把分染的效果破坏掉　　碰染：有两种不同颜色，从叶子或是花瓣的两端同时染色，然后在叶或花瓣中间碰到一起，使其自然衔接，形成统一整体的方法。　　接染：用一种颜色趁湿接着染另一种颜色，使颜色相互渗接在一起的方法。这种方法合适在同一体面中包括几种不同颜色的情况，其特点是既省力，效果也活，有一种流动感。　　平涂：涂时颜色要薄、水分要适度，要一笔接一笔顺涂，不要来回涂抹。平涂的方法，除单独使用外，还用于打底色，衬托、罩染等方面。　　烘染：为了突出某些主题或表现一些特定的环境，气氛而在物象周围进行大面积的渲染的方法。　　皴染、擦染：就是见笔的一种染法。多用来染石头、树干。　　反衬：在渲染过程中用颜色从纸或绢的背后衬上颜色，使正面的颜色更加深厚明艳。　　水注色法：多用于石头和树干。先用墨染出石头或树干的轮廓（墨色要有浓淡变化），可以把水分用得足足的，要水墨汪汪，趁墨迹未干时，注入清水或重墨，把平板的颜色冲开，产生丰富的变化。　　点蕊：点花蕊在画花中是很重要的。点蕊时用尖笔蘸上饱满的颜色，在尖上一滴滴点下去，点成一个圆珠，干后，要圆、凸、大小均匀，中间陷下一个小坑为最好。　　6.过稿　　因为熟纸或熟绢不易改动，所以画工笔画一般先在图画纸上画好素描稿，然后拷贝到熟宣纸或绢上画正稿。步骤是：　　（1）选好纸或绢，裁得比素描稿四周大出一至两个公分，准备以后裱纸时涂胶水或浆糊用。　　（2）素描稿放在熟纸或绢的下面，用HB的铅笔轻轻地把稿子描下来，轮廓要描清楚，笔痕不要太重，以免将来勾墨线时压不住拷贝留下的铅笔线。　　（3）找一张普通白纸裁得同素描稿一样大，用来做衬纸。因熟纸或绢一般都很薄呈半透明状，下面衬白纸，作画时容易看清画面效果。把衬纸打湿让其完全涨开再用浆糊或胶水贴在画板上。　　（4）待衬纸干后，把拷贝好的正稿放在上面用喷嘴或喷壶把纸喷湿，等纸完全涨开趁湿把画纸四周反面涂上一至两公分的胶水或浆糊粘牢，干后就可以作画了。　　注意事项　　裱纸对于画工笔画来讲是一个重要的环节，如不注意会造成漏矾，给以后的工作带来不便。　　在整个过程中应注意以下几点：　　（1）正稿用纸一定要比素描稿四边大出一至两公分，用来涂胶水或浆糊，要不然画面会变小。　　（2）画板平放在桌面上，往纸或绢上喷水要适量，太多的水会冲掉画纸表面的胶矾水，还会把纸涨裂。喷水太少，纸或绢不能完全涨开，在作画时，纸面还会不平整。所用的喷壶或喷嘴喷出的水最好是雾状，这样比较均匀。水在纸面最好是薄薄喷一层，让水渗到纸里去以后，再用胶水或浆糊粘到画板上。　　（3）画纸上有水时，不要用手摸，更不要用布擦或用吸水纸吸，这样会造成漏矾。　　漏矾　　在画工笔画的过程中的“漏矾”　　由于熟纸或熟绢是用胶矾水多次刷制而成，所以在绘画过程中随着多次的渲染或是用水过多，胶矾会走失而造成漏矾。漏矾之后会渗水，颜色上不均匀，一块深一块浅影响画面效果。古人所讲“三矾九染”是很有道理的，要学会自己配制胶矾水，每上几遍颜色就上一遍胶矾水，既可以固定颜色，又可以防止漏矾。

中国画从总体发展来看，是写意的艺术。虽然工笔画注重形似，但是并非西方自然主义的写实。中国画的造型观念是意象造型，工笔画虽然重形似，但也逃脱不了意象造型的观念。这种"意象"的造型观强调主观的表现，但对于中国工笔画来说"形"则具有更为独立的意义。由于它固有的形式特征，轻视了"形"的价值就失去了它的艺术语言的特色。但是，如果只重"形似"也必然走向自然主义的摹仿。中国艺术旨在表现人的主体精神，中国绘画把这种主体精神称之为"意"或"心"，故有"写意"、"写心"、"写情"诸说。从表面来看，中国工笔画无论是人物画，还是花鸟画，乃至一些山水画的形象造型都是力求形似的。但这并不是对自然的描摹，而是综合了主观与客观的意象。石涛就有"搜尽奇峰打草稿"的主张。不要说宇宙山川之变，即是同一花草仅从自然属性来看，他们的精神也是各不相同的。从自然的"形"到主观的"意"，这一过程体现了中国画在表现上的主观原则。那么在中国工笔画中怎样处理"形"和"意"的关系呢？首先在工笔画中，"形"有着重要的地位，工笔画是以形写意，没有"形"的工细，就不能达到"意"的高远。也就是说工笔画是用"尽其精微"的手段来达到"意境高远"的主旨。工笔画的"形"与"意"是手段与目的的关系。然而，手段要行之有效，才能达到目的。如何要求、理解工笔画中的"形似"，以达到"尚意"的目的呢？在表现手法上来看，要求工致细腻，并不是自然主义追求的摹仿再现，而是从客观物象中提炼加工、重新组合，而得到的意象。允许在把握对象内在精神的基础上，进行一定程度的夸张变形，只不过是用精细的手法来表现罢了。今天，西方写实主义的造型原则已经被人们普遍了解和掌握。所以在工笔画的学习中，往往会出现这样的误区--把工笔画的工致细腻理解为自然主义的描摹，往往追求形象的惟妙惟肖。这样做的结果削弱了中国画独特的形式语言，越画越不象中国画。无论调动任何绘画处理手段，如何在虚实造境上做文章，都只是把人引入乏味的自然 "实景"当中。这时不要忘记，中国画立形的手段是线。没有线的独立存在，哪里会象中国画呢？中国画的用线历经上千年的锤炼，加之毛笔和墨这种特殊的工具，使线本身的表现力变化万千，无比丰富。只有把具有抽象美意趣的线条与造型的形态完美地结合在一起，使线的表现力更加自由的表现出来，把主观的"情"、意象的"形"、表现的"线"三者完美的结合起来，才是中国工笔画追求的境界。无论是人物还是花鸟，把线这种富于独特表现力与形式美的表现手段退化为单纯的技术性操作，使线只具备描摹轮廓的意义，线本身的表现性与审美价值便丧失殆尽，这无疑是舍本逐末的做法。线、形、意达到完美的统一，取神得形，以线立形，以形达意，正确处理好三者的关系，是把握中国工笔画精神的关键所在。意境的表达工笔画是长于抒情的。往往借助联想与想象构筑充满感情色彩的诗境。追求画外情、画外意。所以诗意性的内涵成为工笔画的内在意蕴。细腻幽雅的抒情特质，充满着诗意情趣，洋溢着对于自然生命和生活的深情。工笔画由于对细节的关注，在追求"似"与"真"的前提下，要求以可视可感的艺术语言表现对象的生命特质，创造出情景交融、意兴充实的诗意。传统文人画注重诗、书、画、印在形式上的完美统一。往往通过画中的题诗与跋语来深化作者的精神表现，引发观者的想象，熔诗、画于一炉。而工笔画更注重画中的可视形态来引发人们对于诗意的联想。戴熙说："画在有笔墨处，画之妙在无笔墨处。"既说明了诗与画的不同特质，同时又阐释出诗、画的同一性。工笔画是以实写虚。以具象的实景写虚景虚境。而诗则由虚景虚象写实情实境。写意画可以表达诗意性的境界，那么工笔画是不是就是无诗意和境界呢？唐代周昉的《簪花仕女图》、《挥扇仕女图》，张萱的《捣练图》、《虢国夫人游春图》描绘的是现实生活的画卷，张择端的《清明上河图》、王希孟的《千里江山图》这样史诗般宏大场面，这些作品同样不仅具有描写性，更重抒情性。张萱和周昉的作品弥漫着一丝淡淡的忧愁和朦胧的哀伤情绪，从中可以体会到一种独特的美，一种"甜美的忧郁"。透过这种"甜美的忧郁"其中包含着一层猜不透的诗意。从工笔画的诗意性境界，可以窥探到影响这种境界的原因则是东方哲学观念和审美取向。这种沉默的品格使东方艺术具有一种幽幽的诗情。这诗情中的底蕴是无限的。从宋人的工笔花鸟小品可以看到东方人对于自然的关注，其中蕴积的情感完全溶入了自然的一草一木之中。这是一种静默的诗情，体现出静默的雄辩的内在力量。所以只有中国才有"无丝之弦"、"无声之乐"，这样的虚空与静默，用语言用理性都无以表达，任何语言都显的软弱无力，而只有用整个身心去体悟。由此可知，中国绘画是会意的，只用眼睛去看是远远不够的，视觉的形态终归是有限的。

1.勾线笔一根，小红毛勾线一支和白云笔5支 2.从临摹花鸟开始 3.先练勾线，再练晕染工笔画的创作在造型更加准确的同时，保持了线条的自然流动和内容的诗情画意。水色（植物颜料）是透明色，可以相互调和使用，没有覆盖力，色质不稳定，容易退色。石色（矿物颜料）是不透明色，相互不能调和使用，覆盖力强，色质稳定，不易退色。石色和水色相互之间也不能调和使用。初学者，首先要懂执笔，姿势才能正确，达到运笔用墨自如，应注意以下几点：（1）笔正：笔正则锋正。骨法用笔以中锋为本。（2）指实：手指执笔要牢实有力，还要灵活不要执死。（3）掌虚：手指执笔，不要紧握，指要离开手掌，掌心是空的，以便运笔自如。（4）悬腕、悬肘：指大面积的运笔要悬腕或悬肘，才可以笔随心，力贯

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